Instruções gratuitas passo a passo 
Embora você possa desenhar seus próprios storyboards, também existem muitos modelos gratuitos on-line que você pode imprimir para começar a desenhar imediatamente. 
Toda vez que você muda de local, você precisa desenhar um novo plano de fundo. Lembre-se de contar a história visualmente. Tente imaginar o que você veria se isso fosse um filme. Se o fundo não mudar entre as fotos, você pode deixá-lo em branco e focar na ação. 
Você também pode usar setas para indicar os movimentos da câmera, como `lateral` ou `tilt`. 
Você não pode simplesmente desenhar 1-2 caixas e dizer `fotos alternativas` para uma conversa. Imagine uma cena em que uma mãe fica brava com seu filho por quebrar uma lâmpada. Mostrar a coisa toda do filho triste ou assustado é uma cena muito diferente do que mostrar a mãe zangada o tempo todo, alternando para frente e para trás ou mostrando a lâmpada quebrada. 
Se a câmera não cortar, mas muitas coisas acontecem, você pode usar vários quadros para um corte. Toda vez que algo acontece, você precisa de um novo quadro, mesmo que a câmera não se mova. 
Use o primeiro plano e o plano de fundo a seu favor também - não coloque todos os personagens ou coisas na mesma linha de profundidade. Não se esqueça do fundo distante, distante também - é um bom lugar para criar profundidade. Claro, há muitas razões para quebrar essa regra, como obter uma foto perfeitamente simétrica. Apenas saiba por que você quebra a regra antes de fazer. 
Um dos cortes mais famosos de todos os tempos é em 2001: Uma Odisseia no Espaço, onde o diretor Stanley Kubrick passa de uma arma voadora para um satélite no espaço. Em um fragmento, ele preenche a lacuna entre o homem primitivo e o homem futuro, sugerindo que pouco mudou, exceto o cenário. 
Quando você menospreza um personagem, ele parece fraco, medroso ou impotente. Olhar para uma pessoa faz com que ela pareça poderosa, confiante e dominante. Ângulos extremos, como tiros muito altos, muito baixos ou inclinados, mostram confusão, medo ou uma experiência bizarra, como uma viagem de drogas. 
Atenha-se a 1-2 descrições para cada foto ou cena. Você não escreve um romance, você escreve uma diretriz. 
Desenhar um storyboard é barato, mas filmar não é. Se você está trabalhando em um filme maior, precisa conhecer a dificuldade das tomadas para saber se elas são realizáveis. Fotos de alta altitude podem ficar ótimas e se encaixam no filme, mas filmar de um helicóptero é muito caro! 
rastreamento é quando a câmera segue a ação sem cortar, como seguir alguém enquanto anda pela rua. Use as setas para indicar o movimento e use vários quadros, se necessário. panelas são situações em que a câmera simplesmente gira em uma direção, geralmente para seguir um personagem enquanto ele se move ou para mostrar algo em seu ambiente. Desenhe uma seta indicando a direção da câmera. caminhões são movimentos em que a câmera se move fisicamente para dentro ou para fora. Imagine uma foto de uma TV e, em seguida, a câmera retrocede lentamente para mostrar uma família assistindo TV na sala de estar. Use quatro linhas, apontando do centro da tela para os cantos, para mostrar o movimento. Foco do Rack é quando você tem um objeto desfocado no fundo e um objeto brilhante no primeiro plano, e o foco muda de um para o outro (também pode ir ao contrário). Desenhe uma linha mostrando onde o foco começa e para onde ele muda. 
Fade in/Fade out: Isso ocorre simplesmente quando a imagem aparece ou desaparece lentamente de uma tela em branco. Para um fade in, desenhe um triângulo apontando para a esquerda. Para um fade out, desenhe um triângulo apontando para a direita. Dissolução cruzada: Quando uma imagem muda lentamente para a próxima. Para desenhá-lo, faça dois triângulos que se cruzam na caixa, começando pelos quatro cantos. São os desenhos fade-out e fade-in que se sobrepõem. limpar: Quando uma imagem se move fisicamente pela tela, fazendo com que a próxima imagem apareça abaixo dela. Simplesmente desenhe uma linha vertical no centro do retângulo e uma seta passando por ela, para indicar em qual direção a primeira imagem está se movendo. 
Primeiro plano (FG): A área perto da câmera. Meio-campo (MG): O centro da imagem. Antecedentes (BG): A área mais distante da câmera. Fora da tela (O/S): Útil se houver um som, diálogo, etc. é que os espectadores não podem ver se um personagem entra ou sai do quadro. Sobreposição (OL): Quando um objeto ou imagem é sobreposto a outro objeto ou imagem, mas ambos são visíveis. 
Quando a câmera muda para outro quadro, você precisa alterar o número da cena para indicar uma nova foto. Se uma única cena exigir várias ações, todas sem alterar a câmera, elas serão marcadas como painéis. Se uma cena requer três storyboards, rotule cada painel como 1/3, 2/3 e 3/3. 
Imagine um tiro longo e único, como o início de "Raging Bull". Embora não haja interrupção, você nunca poderá capturar essa foto em um único painel. Você tem que juntar muitos painéis com setas, notas e diálogos para planejar o tiro. As listas de palavras acima estão longe de ser exaustivas - existem centenas de palavras, tiros e pistas que um storyboarder profissional usará. Para ser um profissional, você precisa continuar aprendendo a usar termos profissionais.
Desenhe um storyboard
Contente
Criar storyboards é uma ótima maneira de mapear seu filme e criar uma visão clara para cada cena, e é muito fácil começar! Reunimos um guia que conta tudo o que você precisa saber sobre como desenhar seus próprios storyboards como um profissional. Confira as etapas abaixo para aprender a criar um modelo de storyboard, criar fotos interessantes e preencher seus storyboards com desenhos, diálogos e anotações importantes que você fez.
Degraus
Método 1 de 3: Criando um storyboard para uma cena
1. Termine seu roteiro antes de iniciar os storyboards. Se o roteiro é um modelo de como um filme vai soar, um storyboard é o modelo de como eles serão. Os storyboards são a maneira como você visualiza como atores, adereços, planos de fundo e ângulos de câmera se encaixam em uma determinada cena ou sequência de fotos. É a sua chance de mapear visualmente o filme, antes que câmeras caras, atores e equipes estejam esperando no set.
- Dito isto, um dos trabalhos de um storyboarder é pegar o roteiro e melhorá-lo adicionando recursos visuais. Você precisa conhecer a história completa antes de começar.
2. Desenhe quadrados para cada cena, deixe espaço para o diálogo abaixo. Depois de escrever seu roteiro e ter uma ideia do que vai acontecer no seu filme, pegue um papel ou cartolina para montar seu storyboard. Como uma história em quadrinhos, cada quadrado representa uma cena ou cena, e o espaço abaixo é preenchido com diálogos, notas ou ação.
3. Determine a localização e quaisquer objetos importantes em seu primeiro quadro da cena. A principal função do storyboard é mostrar como será a gravação. Para o seu primeiro sinal, você quer todos os detalhes essenciais para que as pessoas que o lêem saibam onde estão. Se você está se perguntando o que incluir nele, sempre pergunte: `Isso é essencial para entender a cena??`
4. Use setas e anotações para indicar movimento ou alterações. Por exemplo, se você quiser que um personagem acerte outro, você não precisa desenhar cinco quadros de seu punho movendo-se lentamente em direção a um rosto. Em vez disso, desenhe um quadro do punho com uma seta indicando o movimento.
5. Preencha o diálogo e os sons da cena abaixo do desenho. Lembre-se, você está basicamente fazendo uma versão de desenho animado do filme, então você também precisará adicionar efeitos sonoros essenciais. Não se preocupe se tudo não se encaixar - você apenas passa marcas para o diretor e a equipe sobre onde o som pertence, então reticências (`...`) pode ajudar.
6. Crie um novo quadro para cada ação importante ou movimento de câmera. Quando algo acontece, ele precisa de seu próprio quadro. Quando você está desenhando uma conversa, você vai querer mudar de um personagem para outro enquanto eles falam, bem como algumas fotos de ambos ao mesmo tempo. Você tem que desenhar cada uma dessas mudanças separadamente.
7. Faça anotações essenciais sobre movimento, sons ou efeitos especiais. Se uma cena exigir um pouco de sangue falso, anote com uma caneta vermelha ou anote. Se o tiro exigir um tiro longo e ininterrupto, use as setas para indicar como tudo se mistura. Embora existam os termos certos para tudo isso, o mais importante é que você conte a história visualmente, seja como for. Se fizer sentido como um guia para filmar, coloque-o lá.
Método 2 de 3: Melhorando seus storyboards
1. Encontre maneiras de expressar visualmente os temas do roteiro. Não deixe o script "falar por si mesmo"; Os melhores filmes estão relacionados tematicamente em todos os níveis: escrita, storyboard, efeitos sonoros, atuação, etc. Seu trabalho é transformar um bom roteiro em ótimos recursos visuais. Para cada cena, pergunte a si mesmo qual é o propósito da cena, qual é o clima ou tom e quais são os principais adereços, personagens ou momentos. Como você pode chamar a atenção para essas coisas?
- Encontre o elemento mais crucial da cena e encontre uma maneira de chamar a atenção do público para ele em cada cena, redimensionando, centralizando, ampliando, etc.
- Gene Wilder não era um storyboarder, mas pensava como um comediante visual. Dentro Willy Wonka, a famosa introdução onde ele `acidentalmente` tropeça, cai e rola sob aplausos efusivos, foi elaborada por ele como uma forma de retratar Wonka como divertido, estranho e escondido atrás de uma fachada cômica.
2. Evite composições planas e bidimensionais sempre inclinando a câmera. O que você não quer é uma base completamente plana, onde a câmera esteja em ângulo reto com o solo. Inclinar um pouco a cena dará ao seu storyboard três dimensões, mesmo que seja apenas uma ligeira mudança. Fotos diretas quase nunca são tão emocionantes quanto composições tridimensionais dinâmicas.
3. Dê uma motivação para escolher uma foto diferente, em vez de apenas alterá-la. Geralmente isso é óbvio - se outro personagem estiver falando, você precisa mudar a cena para mostrar a essa pessoa. Se alguém ouvir um som atrás deles, vá para onde o som veio. Todos os bons cortes precisam ter um motivo para acontecer - seja o enredo, os personagens, a mudança de foco ou uma escolha puramente artística.
4. Use o ângulo de uma câmera para capturar os relacionamentos e sentimentos de um personagem. O ângulo de sua tomada diz ao público como se sentir sobre os personagens ou cenas. Você pode usar essa métrica de inúmeras maneiras e deve sempre se perguntar como o ângulo da sua câmera ajuda ou atrapalha o ponto da foto. Por exemplo:
5. Tente escrever a cena em prosa se estiver com problemas para começar. É difícil iniciar uma cena e fazer escolhas difíceis, como o ângulo da câmera e a composição, se você ainda não tiver certeza em qual direção deseja direcionar as coisas. Um bom passo intermediário é escrever a cena como um conto. Quais partes se destacam como importantes, quais detalhes se destacam enquanto você escreve e quais são as ações mais importantes em cada cena? Você pode então editar este mini-script como uma prática antes de realmente desenhar.
6. Estude cinematografia. Storyboards são, essencialmente, ensaios de um filme. O objetivo é usar as placas para configurar luzes, câmeras e cenários para imitar a foto que você tirou. Aprofundar os tipos de tomadas, composição de cores, ângulos de câmera e muito mais pode expandir sua caixa de ferramentas como criador de storyboards.
Método 3 de 3: Storyboard como um profissional
1. Aprenda a terminologia dos ângulos de câmera comuns. Não confie apenas no desenho para transmitir seu ponto de vista - o mundo do cinema está cheio de vocabulário que torna seu trabalho mais fácil e seus storyboards mais precisos. Anotar os ângulos da câmera ajuda as equipes de câmera a ver rapidamente para quais fotos se preparar e informa se você está repetindo acidentalmente sua escolha de foto.
- Estabelecendo tiros: Fotos rápidas que ilustram o cenário, localização ou posição inicial dos personagens.
- Completo, Médio, Perto, Extremo Perto: Quando você mostra um personagem, quanto você mostra? Full (FS) mostra o corpo inteiro, Medium (MS) mostra a cintura para cima, Close (CU) mostra ombros e cabeça e Extreme Close Up (ECU) mostra apenas o rosto.
- Tiro para cima / tiro para baixo: Os tiros para cima olham para um personagem, enquanto os tiros para baixo olham para baixo de cima. `Worm`s Eye` e `Bird`s Eye` são as versões extremas de cada.
- Sobre o ombro (OTS): Este é um dos termos-chave, e nessas fotos você vê uma pessoa ou coisa na lateral do quadro, de costas para o outro, olhando para o outro. Muito comum em conversas entre duas pessoas.
- dois tiros: Quando os dois personagens, que geralmente falam um com o outro, estão na foto ao mesmo tempo. Ao desenhar um diálogo, os dois tiros geralmente são intercalados com tiros OTS.
- Fotos de POV: Estes são simplesmente quando a câmera imita o ponto de vista de um personagem.
2. Familiarize-se com os movimentos da câmera para ilustrar fotos em movimento ou em mudança. A lista a seguir não é exaustiva, mas é uma boa base para escrever storyboards coerentes. Quando você quiser adicionar um, escreva o movimento real da câmera no storyboard.
3. Anotar transições entre tomadas. As seguintes transições são algumas das mais comuns em filmes e devem ser anotadas em seu storyboard. A cada transição, você deve fazer um pequeno desenho ao lado das palavras, que representa visualmente a transição. Comece com um pequeno retângulo, representando a tela, logo antes da caixa de diálogo, e preencha este retângulo com sua transição:
4. Aprenda as instruções básicas do bloco para ajudar a configurar a cena e os atores. Os termos a seguir referem-se à localização de um objeto na cena. Também pode ajudar a direcionar o movimento, por exemplo, se um personagem caminhar da parte de trás da cena para a frente, o que pode ser expresso como `BG → FG.`
5. Rotule suas gravações corretamente para que o resto da equipe possa lê-las. Em geral, uma "cena" em um storyboard na verdade se refere a um movimento contínuo de câmera, não a um evento inteiro. Essas cenas são colocadas juntas para formar uma `sequência`, que é toda a ação ou conversa que você está retratando (o que você normalmente chama de `cena`).
6. Se você perder o controle, procure clareza, não símbolos ou vocabulário perfeitos. O objetivo final de um storyboard é contar o filme visualmente, não passar em um teste de vocabulário. Embora você deva sempre se esforçar para aprender a terminologia, você quer que os storyboards sejam fáceis para diretores, diretores de fotografia e o resto da equipe lerem. Se você tem uma ideia, mas não sabe como expressá-la, use suas habilidades de desenho para transmitir o ponto da maneira mais simples possível. Setas, notas e vários painéis devem ser usados para compartilhar suas ideias criativas quando as palavras não forem suficientes.
Pontas
- Se isso ajudar, você pode dobrar um pedaço de papel em seis quadrados para enquadrar facilmente suas cenas - ou baixar um modelo de storyboard gratuito da Internet.
- O software de storyboard geralmente possui um banco de dados para armazenar informações de script, adereços, locais, dicas de câmera, etc. para continuar.
- Mantenha seu público em mente enquanto estiver fazendo o storyboard. Pense no que eles querem ver, não no que você quer desenhar.
- Você não precisa desenhar todos os quadros perfeitamente - um rascunho é totalmente bom.
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