Instruções gratuitas passo a passo 
Enredo: A namorada do protagonista terminou com ele. Então o protagonista perdeu o emprego. Enredo: A namorada do protagonista terminou com ele. Seu coração partido fez com que ele tivesse um colapso emocional no trabalho, o que resultou em sua demissão. Você deve desenvolver uma história que seja fascinante e se mova pela ação da peça com rapidez suficiente para prender a atenção do público. Ao mesmo tempo, você precisa mostrar como as ações estão todas causalmente ligadas através do desenvolvimento do enredo. Isso garante que o público tenha empatia com os eventos que se desenrolam no palco. 
Onde acontece a história lugar? Quem é o protagonista (personagem principal) e quem são os personagens secundários importantes? Qual é o conflito central que esses personagens enfrentam? Qual é o `evento ativador` que desencadeia a ação principal da peça e leva ao conflito central? O que acontece com seus personagens enquanto eles lidam com esse conflito? Como o conflito foi resolvido no final da história? Como isso afeta os personagens? 
Quais são as relações entre os personagens? Como os personagens lidam com o conflito central? Quais são mais afetados por isso e como isso os afeta? Como você pode estruturar a história (eventos) para conectar os personagens essenciais com o conflito central? Qual é a progressão lógica e casual que leva cada evento ao próximo, trabalhando em um fluxo contínuo em direção ao clímax e à resolução da história? 
Dramas em flash são peças muito curtas de um ato que podem durar de alguns segundos a cerca de 10 minutos. Eles são ótimos para apresentações de teatro escolar e comunitário, bem como competições específicas para teatro flash. Assista a `A Time of Green` de Anna Stillaman para um exemplo de um drama em flash. 
Para exemplos de peças de dois atos, veja `Hölderlin` de Peter Weiss ou `The Homecoming` de Harold Pinter. 
O `evento desencadeador` deve ocorrer aproximadamente na metade do primeiro ato, após o pano de fundo da história ter sido exposto. Após o evento desencadeador, várias cenas aumentam a tensão para o público - seja dramática, trágica ou cômica. Essas cenas devem trabalhar em direção a um ponto de conflito que encerrará o primeiro ato. Feche o primeiro ato logo após o ponto de maior tensão da história naquele momento. O público entrará no intervalo com antecipação e voltará animado para o segundo ato. Iniciar o segundo ato em um ponto de tensão mais baixo do que onde o primeiro ato parou. A intenção é levar lentamente o público de volta ao conflito da história. Apresentar várias cenas no segundo ato que elevam as apostas do conflito ao clímax da história (o ponto mais alto de tensão e conflito), pouco antes do final da peça. Relaxe o público no final com a ação descendente e um desfecho ou resolução. Embora nem todas as peças precisem ter um final feliz, o público deve sentir que a tensão que você construiu na peça foi dissolvida. 
Ato 1 é a exposição: Aproveite o tempo para apresentar os personagens e dar informações básicas. Faça o público simpatizar com o protagonista e sua situação, para evocar uma forte resposta emocional quando as coisas dão errado. O primeiro ato também deve introduzir o problema que se desenvolverá no resto da peça. Ato 2 é a complicação: as apostas aumentam para o personagem principal à medida que o problema fica cada vez mais difícil de lidar. Uma boa maneira de tornar a situação mais terrível no segundo ato é revelar uma informação importante antes do clímax do ato. Essa revelação deve semear dúvidas na mente do protagonista antes que ele encontre forças para abrir caminho através do conflito até sua resolução. Ato 2 deve terminar com pouca esperança, com os planos do protagonista desfeitos. Ato 3 é a solução: o personagem principal supera os obstáculos do segundo ato e encontra uma maneira de chegar à conclusão da peça. Observe que nem todas as peças têm um final feliz; o herói pode morrer como parte do desenlace, mas o público deve ser capaz de aprender algo com isso. Exemplos de peças de três atos incluem "Mercadet" de Honore de Balzac e "Pigeon: A Fantasy in Three Acts" de John Galsworthy. 
Não tenha medo de usar fragmentos de frases. Embora tenhamos aprendido a nunca usar trechos de texto quando escrevemos, sempre os usamos quando falamos: "Eu odeio cachorros. todos os cães`. 
Sinais de chamada: [longo e constrangedor silêncio] Ação física: [Silas se levanta e caminha nervosamente]; [Margaret rói as unhas] Estado emocional: [ansioso], [Entusiasmado], [pega a camisa suja como se estivesse com nojo] 
Mesmo ao adicionar detalhes, lembre-se de que a tecla Delete é sua melhor amiga. Como disse Donald Murray, você deve `omitir o que é ruim para revelar o que é bom`. Remova todos os diálogos e eventos que não acrescentam nada à ressonância emocional da peça. O conselho do escritor Leonard Elmore também se aplica às peças: `Tente deixar de fora aquelas partes que os leitores são tentados a pular`.
Escrevendo um roteiro para uma peça
Contente
Você tem uma ideia para um roteiro de peça – talvez uma ideia muito boa. Você quer expandi-lo para uma história em quadrinhos ou dramática, mas como? Embora você possa querer começar a escrever imediatamente, se você gastar tempo desenvolvendo o enredo antes de iniciar um primeiro rascunho, a peça se tornará muito mais forte. Depois de fazer um brainstorming de sua história e delinear a estrutura da história, escrever sua peça parecerá muito menos assustador.
Degraus
Parte 1 de 3: Fazendo um brainstorming de sua história
1. Decida que tipo de história você quer contar. Embora cada história seja diferente, a maioria das peças se enquadra em categorias que ajudam o público a entender como interpretar os relacionamentos e eventos que eles veem. Pense nos personagens que você deseja descrever e, em seguida, considere como deseja que suas histórias se desenrolem. Eles devem:
- Resolva um mistério?
- Passando por uma série de eventos difíceis para alcançar o crescimento pessoal?
- Crescendo saindo da inocência infantil através de experiências no mundo exterior?
- Faça uma viagem, como a perigosa jornada de Ulisses em A odisseia?
- Criando ordem no caos?
- Superando alguns obstáculos para alcançar um objetivo?
2. Faça um brainstorming das partes básicas do seu arco de história. O arco da história é a progressão da peça através do início, meio e fim. Os termos técnicos para essas três partes são exposição, ação ascendente e resolução ou resolução, e estão sempre nessa ordem. Não importa quão longa seja sua peça ou quantos atos haja, uma boa peça desenvolverá todas as três peças deste quebra-cabeça. Antes de começar a escrever sua peça, pense em como deseja desenvolver cada uma dessas.
3. Decida o que incluir na exposição. A exposição abre uma peça fornecendo os dados básicos necessários para acompanhar a história: quando e onde essa história acontece? Quem é o personagem principal? Quem são os personagens secundários, incluindo o antagonista (a pessoa que o personagem principal apresenta seu conflito central), se houver? Qual é o conflito central que esses personagens enfrentam? Qual é o clima desta peça (comédia, drama romântico, tragédia)?
4. Crie a transição da exposição para a ação ascendente. Na ação ascendente, os eventos se desenrolam de uma maneira que torna as circunstâncias mais difíceis para os personagens. O conflito central torna-se mais aparente à medida que os eventos intensificam a tensão para o público. Esse conflito pode se manifestar com outro signo (antagonista), com uma condição externa (guerra, pobreza, separação de um ente querido), ou consigo mesmo (superação das próprias inseguranças, por exemplo). A ação ascendente culmina no clímax da história: o momento de tensão suprema, quando reina o conflito.
5. Decida como o conflito será resolvido. A resolução libera a tensão do grande conflito para fechar o arco da história. Você tem um final feliz, onde o personagem principal consegue o que quer; um final trágico onde o público aprende algo com o fracasso do personagem principal; ou um desenlace, onde todas as perguntas são respondidas.
6. Entenda a diferença entre enredo e história. A história da sua peça é composta pelo enredo e pelo enredo — dois elementos separados que devem ser desenvolvidos juntos para criar uma peça que prenda a atenção do público. E.m. Forster define o enredo como o que acontece na peça - o desdobramento cronológico dos eventos. O enredo, por outro lado, pode ser pensado como a lógica que liga os eventos que se desenrolam e os torna emocionalmente poderosos. Um exemplo da diferença:
7. Desenvolva sua história. Você não pode aprofundar a ressonância emocional do enredo até que tenha uma boa história. Faça um brainstorming dos elementos fundamentais da história antes de realmente escrever, respondendo às seguintes perguntas:
8. Aprofunde sua história com desenvolvimento de enredo. Lembre-se de que o enredo desenvolve a relação entre todos os elementos da história, conforme mencionado na etapa anterior. Quando você pensa sobre o enredo, você deve tentar responder às seguintes perguntas:
Parte 2 de 3: Determinando a estrutura do seu jogo
1. Comece com uma peça de um ato se você está apenas começando a escrever peças. Antes de começar a escrever a peça, você deve ter uma ideia sobre sua estrutura. A peça de um ato continua sem interrupções e é um bom lugar para começar se você não escreveu uma peça antes. Exemplos de peças de um ato incluem `The Bond` de Robert Frost e Amy Lowell, e `Gettysburg` de Percy MacKaye. Embora a peça de um ato tenha a estrutura mais simples, permanece o caso de que todas as histórias exigem um arco de história com exposição, tensão crescente e resolução.
- Como as peças de um ato não têm intervalos, elas exigem cenários mais simples e mudanças de figurino. Mantenha seus requisitos técnicos simples.
2. Não limite a duração da sua peça de um ato. A estrutura de um ato não tem nada a ver com a duração da performance. Essas peças podem variar muito em duração, com algumas produções sendo tão curtas quanto 10 minutos e outras com mais de uma hora de duração.
3. Crie conjuntos mais complexos com uma peça de dois atos. Uma peça de dois atos é a estrutura mais comum no teatro contemporâneo. Embora não haja uma regra sobre quanto tempo cada negócio deve durar, cada negócio funcionará por cerca de meia hora, dando ao público uma pausa. O intervalo dá ao público tempo para ir ao banheiro ou simplesmente relaxar, refletir sobre os acontecimentos no palco e discutir o conflito no primeiro ato. Além disso, grandes mudanças podem ser feitas nos bastidores do cenário, figurinos e maquiagem. As pausas geralmente duram cerca de 15 minutos, portanto, certifique-se de que as tarefas da equipe sejam razoavelmente gerenciáveis dentro desse tempo.
4. Ajuste o enredo para caber dentro da estrutura de dois atos. A estrutura de uma peça de dois atos muda mais do que apenas a quantidade de tempo que sua equipe precisa para fazer ajustes técnicos. Como o público tem uma pausa no meio da peça, você não pode tratar a história como uma narração contínua. Você precisa moldar sua história em torno do intervalo, para manter o público em suspense e cheio de expectativa no final do primeiro ato. Quando o público retornar do intervalo, eles devem ser imediatamente sugados de volta para a tensão crescente da história.
5. Escreva enredos mais longos e complexos com um layout de três atos. Se você é novo na escrita de peças, pode começar com uma peça de um ou dois atos, pois uma peça ou atos completos de três atos devem cativar seu público por até duas horas! É preciso muita experiência e habilidade para montar uma produção que pode cativar um público por tanto tempo, então pode ser sensato definir suas ambições um pouco mais baixas primeiro. No entanto, se a história que você quer contar é complexa o suficiente, uma peça de três atos pode ser a melhor escolha. Como a peça de dois atos, há mais oportunidades para grandes mudanças no cenário, figurinos, etc. durante os intervalos entre as empresas. Cada ato da peça deve atingir seu próprio objetivo da história:
Parte 3 de 3: Escrevendo sua peça
1. Agende as companhias e cenas. Nas duas primeiras partes deste artigo, você debateu suas ideias básicas sobre o arco da história, o desenvolvimento da história e do enredo e a estrutura de sua peça. Agora, antes de se sentar para escrever a peça, você precisa colocar todas essas ideias em um esboço claro. Para cada empresa você indica o que acontece em cada cena.
- Quando os personagens importantes serão apresentados?
- Quantas cenas diferentes você tem e o que acontece especificamente em cada cena?
- Certifique-se de que os eventos de cada cena se acumulem na próxima cena para alcançar o desenvolvimento do enredo.
- Quando são necessárias alterações no conjunto? Mudanças de figurino? Leve esses tipos de elementos técnicos em consideração ao criar uma visão geral de como sua história se desenrolará.
2. Elabore sua visão geral escrevendo sua peça. Depois de fazer seu esboço, você pode começar com o jogo real. Crie o diálogo básico primeiro na página, sem se preocupar com a naturalidade do diálogo ou como os atores devem se movimentar pelo palco e fazer suas performances. Você simplesmente quer `obter o primeiro design em preto e branco`, como disse Guy de Maupassant.
3. Trabalhe na criação de um diálogo natural. Você quer dar aos seus atores um roteiro sólido para que eles possam entregar o texto de uma maneira que pareça humana, real e emocionalmente poderosa. Grave a si mesmo lendo a letra do seu primeiro rascunho em voz alta e depois ouça a gravação. Observe os pontos em que você soa mecânico ou excessivamente grandioso. Lembre-se de que, mesmo em uma peça literária, seus personagens ainda precisam soar como pessoas normais. Eles não devem soar como se estivessem fazendo discursos extravagantes enquanto reclamam de seus empregos durante o jantar.
4. Deixe as conversas desviarem. Quando você fala com seus amigos, raramente se apega a um tópico. Embora em uma peça a conversa deva orientar os personagens para o próximo conflito, é aconselhável tornar a conversa realista com pequenas distrações. Por exemplo, em uma conversa sobre por que a namorada do protagonista terminou com você, pode haver uma sequência de duas ou três linhas em que os falantes discutem sobre há quanto tempo eles estão namorando.
5. Inclua pausas em seu diálogo. Mesmo quando não somos rudes, as pessoas interrompem umas às outras na conversa, mesmo que apenas queiramos expressar nossa concordância, como "Concordo plenamente, cara" ou "Não, você está absolutamente certo". As pessoas também se interrompem mudando de assunto dentro de suas próprias frases: "Eu só acho - quero dizer, eu realmente não me importo de dirigir lá no sábado, é só isso - bem, escute, eu trabalhei muito duro ultimamente".
6. Adicione dicas de palco a ele. Dicas de palco ajudam os atores a entender sua visão do que está acontecendo no palco. Use itálico ou colchetes para fornecer instruções de palco separadas do diálogo falado. Enquanto os atores usam seu próprio senso criativo para dar vida às suas palavras, existem algumas pistas específicas que você pode fornecer, como:
7. Reescreva sua versão quantas vezes forem necessárias. Você não terá imediatamente sua peça pronta com a primeira versão. Mesmo escritores experientes elaboram conceitos diferentes de uma peça antes de ficarem satisfeitos com o produto final. Não se apresse! A cada versão, você adicionará mais detalhes, o que ajudará a dar vida à sua produção.
Pontas
- A maioria das peças se passa em um horário e local específicos, então seja consistente. Um personagem de 30 anos pode fazer um telefonema ou enviar um telegrama, mas não assistir televisão.
- Por favor, revise os recursos no final deste artigo para a formatação adequada do seu jogo e siga as diretrizes estabelecidas.
- Certifique-se de sempre continuar e se você esqueceu suas falas durante uma apresentação, invente algo! Às vezes é ainda melhor do que o texto original!
- Leia o roteiro em voz alta para um pequeno público. As peças são baseadas em palavras, e seu poder ou falta dele rapidamente se torna aparente quando falado.
- Não deixe a peça em um lugar tranquilo, mas deixe claro para o mundo que você é um escritor!
- Escreva muitas versões, mesmo que esteja satisfeito com seu primeiro rascunho.
Avisos
- O mundo do teatro está cheio de ideias, mas certifique-se de que seu manuseio de uma história seja original. Roubar a história de outra pessoa não é apenas moralmente ruim, mas quase certamente será descoberto.
- Você experimentará rejeição com muito mais frequência do que sua peça será aceita, mas não desanime. Se você está cansado de uma de suas peças ser ignorada, escreva outra.
- Proteja seu trabalho. Certifique-se de que a página de título da peça contenha seu nome e o ano em que você escreveu a peça, precedido pelo símbolo de direitos autorais: ©.
Artigos sobre o tópico "Escrevendo um roteiro para uma peça"
Оцените, пожалуйста статью
Popular
